Dette innlegget er arkivert under:

Hjemmeside høydepunkter,
Intervjuer og kolonner

KC Carlson

av KC Carlson

Tidligere på uendelig historie (del 1) (del 2): ​​Etter intens kreativ eksperimentering på begynnelsen av 1970-tallet, sitter superhelt tegneserier som stort sett seg til det grunnleggende ved slutten av tiåret. Det var mye mer kreative overraskelser fremover, men foreløpig var Comics ‘viktigste konflikter bak kulissene, da et sviktende distribusjonssystem, kombinert med et dårlig fysisk produkt, ville tvinge tegneserier til å komme med kreative tjenester til å holde seg i live. I mellomtiden var mange komiske skapere rastløse, spesielt det nye, yngre talentet som hadde kommet inn i feltet i løpet av det siste tiåret eller så. De ønsket også bedre fysisk presentasjon for arbeidet sitt, inkludert stadig voksende formater for å prøve ut-i tillegg til bedre arbeidsforhold og mye mer avkastning for kreativiteten. I tillegg vil effekten av økende intelligent kritikk og kritikk fra en mye mer vokal fanbase bidra til å presse skaperne til enda større flyging av fancy. Alle disse elementene så ut til å indikere at interessante tider var rundt hjørnet da 1980 -tallet begynte.

Langformet grafisk opprinnelse blir en ny idé

Som vi har sett, har det vært mange historier med lang form i tegneserier fordi begynnelsen, for det meste da serialiserte historier fortsatte fra den ene tegneserien til den neste. På 1970-tallet tenkte mye mer og mye flere skapere på historier med lang form som et mål, som den øverste formen og formatet for arbeidet sitt. Kunstneren Gil Kane og forfatteren Archie Goodwin (Writing Under the Pseudonym Robert Franklin) var tidlige amerikanske pionerer i denne bestrebelsen. I 1968 publiserte paret selv (med mange utskrifts- og distribusjonsproblemer) navnet hans … Savage, en 40-siders, magasinformat-tegneserieroman. Samme år publiserte Marvel to langformede (50 sider pluss) Spider-Man Stories av Stan Lee og John Romita i magasinformaten den spektakulære Spider-Man, den andre historien trykt i farger.

Blackmark

Kane og Goodwin kom tilbake til den lange formen i 1971 med Blackmark, A Sword and Scorcery Tale, utgitt denne gangen av Bantam Books som pocketbok med 119 sider med historie og kunst. Prosjektet vant en spesiell Shazam -pris for Kane for sin “Paperback Comics Roman”. Da den ble skrevet ut i 2001, ble Blackmark cover-blurbed som “den aller første amerikanske grafiske romanen”. Det var ikke-begrepet grafisk roman hadde ikke blitt myntet da den ble publisert, og det var mange andre illustrerte historier produsert utenfor tegneseriefeltet i tidligere år, mange særlig et par av 1950 fordøyelsesstore 128-siders “Picture romaner ”rettet mot voksenmarkedet, utgitt av St. Johns. Den første, det rim med begjær, ble skrevet av “Drake Waller” (Arnold Drake og Leslie Walker) med kunst av Matt Baker og Ray Osrin. Det ble skrevet ut i 2007 av Dark Horse Books med et nytt etterord av Drake. Og som diskutert i del 1 av denne spalten, ble europeiske grafiske album (Collecting Serialized Stories) utgitt allerede på 1930 -tallet.

Tidlige konkurrenter for den første bruken av begrepet grafisk roman-alle utgitt i 1976-inkluderer Richard Corbins Bloodstar (en langformet historie utgitt som en, dvs. ikke tidligere serialisert), George Metzger’s Beyond gang (en samling av tidligere serialisert Historier fra underjordiske tegneserier), og Jim Sterankos Chandler: Red Tide. Denne boken for fordøyelse størrelse burde være mye mer betraktet som en illustrert roman, ettersom den inneholder typeklokker med tekst i stedet for konvensjonelle ordballonger. Alle disse formatene vil etter hvert bli akseptert som “grafiske romaner” ettersom begrepet i økende grad ble mye mer av et markedsføringsbuzzword enn en faktisk beskrivelse av form. Tallrike skapere som regelmessig jobber i formatet, er mye mer enn glade for å kalle verkene sine ganske enkelt “tegneserier”.

En kontrakt med Gud

Begrepet “grafisk roman” fikk sin viktigste trekkraft i forbindelse med publiseringen av Will Eisners en kontrakt med Gud, og andre hushistorier (1978), i seg selv en samling av de lignende temaet noveller i stedet for en fortelling med lang form. Fordi dette var et modent, komplekst arbeid, ble begrepet delvis myntet for å skille det fra konvensjonelle tegneserier (på den tiden for det meste superhelter). Til å begynne med ble “grafisk roman” oppfattet i noen kretser som “Snooty” eller “Arty” – noe utbedret da Marvel og DC til slutt begynte å produsere grafiske romaner med superheltstjernene deres. Stan Lee og Jack Kirby produserte først en langform Silver Surfer-historie i 1978, selv om den ble utgitt av Simon & Schuster/Fireside Books (ikke Marvel) og bare distribuert i bokhandler, så uformelle Marvel-tegneserier kan ha gått glipp av det. Det ville være noen få mye flere år til Marvel og DC virkelig gjorde spranget til grafiske romaner.

Sabel

I mellomtiden var det å komme inn uavhengige utgivere med dette nye tegneserieformatet. To skapere som tidligere er kjent for sitt arbeid på Marvel, forfatter Don McGrEgor (Killraven) og kunstneren Paul Gulacy (Master of Kung Fu), kombinert for å skape den populære sabelen: langsom falming av en truet art, en svingende science fiction grafisk roman – det første prosjektet fra den nye utgiveren Eclipse Comics. Det var blant de første grafiske romanene som ble distribuert i det da nye direkte markedet i tegneseriebutikker, og det var populært nok til å kreve en annen utskrift og en spin-off-serie. Historien innlemmet også elementer fra McGregors uferdige Killraven -historier på Marvel – som ville bli noe av en trend like mye mer og mye mer av Marvel og DCs skapere flyttet til uavhengige.

Uavhengige forlødere

Det første riket

Andre Indy-skapere utviklet allerede sin nye serie som langformede verk-publiserte først som kapittelstore biter, men til slutt ser det samlet formatet som den øverste formen som arbeidet deres ville ta. Jack Katz ble startet i 1974, som en av de første uavhengig publiserte tegneseriene, og var det første kongeriket et viltvoksende og tidvis episk verk som ofte minnet leserne om klassiske myter med sin langdistanse, sivilisasjonsbyggende historiefortelling. Det var virkelig et enestående prosjekt, og til slutt løp til over 700 sider. Den første samlingen av First Kingdom ble utgitt i 1978, og i likhet med tegneserien ble utgitt av Bud Plant, en av de ledende Direct Sales Comic Distributors of the Era. Selv om den er historisk betydelig, er serien en slog å lese og har stort sett blitt glemt.

Elfquest

1978 var også året som Richard og Wendy Pinis Fantasy Classic Elfquest begynte. Elfquest har en av de mest interessante publikasjonshistoriene i tegneserier, og demonstrerer hvordan kreativ kontroll kan resultere i stor suksess. Pinis ble først publisert i den underjordiske komiske fantasy-kvartalet i 1978, og var så skuffet over reproduksjonen av denne første utgaven at de dannet sitt eget selskap-Warp Graphics (Warp som indikerte Wendy og Richard Pini)-og begynte selvpublisering med utgave nr. 2 . (Fantasy-kvartalsvise materialet ble senere skrevet ut på nytt som Elfquest #1, i det samme varpgrafikkformatet.) Det som var interessant med serien, den gangen, var at det var nært-det ble avsluttet med nr. 20. En nr. 21 ble også publisert inkludert fanbrev og materiale bak kulissene.

Etter hvert ble serien samlet inn i kjekke samlinger i full farge, opprinnelig ved å donere/stjerne og senere av Warp Graphics selv. Det var også mange oppfølgingsminiserier og serier-noen av PINIS, andre av kunstnere og forfattere under deres tilsyn. Den originale sagaen har vært på trykk nå i over tre tiår og har den distinkte skille mellom å bli utgitt av både Marvel Comics (under dets episke avtrykk) og DC -tegneserier (som en del av deres innbundne Archives -serie). På tidspunktet for den opprinnelige publikasjonen var Elfquest den uoffisielle inngangsboken for mannlige fans å presentere for venninnene sine for å interessere dem i tegneserier. Elfquests kunstner og primærutvikler Wendy Pini ble også bemerkelsesverdig som en ledende kvinnelig utvikler i et mannsdominert felt.

Cerebus

Dave Sims Cerebus The Aardvark startet livet i 1977 som en morsom dyreparodi på sverd-og-sorgerende tegneserier, men i 1979 kunngjorde Sim at Cerebus faktisk var en 300-utgave-roman. Utgave 300 ble endelig publisert i mars 2004, 27 år senere kjørte historien til slutt 6000 sider. Disse er senere samlet inn i 16 samlinger, med kallenavnet “Telefonbøker” på grunn av størrelse og format. Cerebus og alle påfølgende samlinger ble selvpublisert av Sim (først med kjæresten, daværende kone Deni Loubert; de to senere skilt) under firmanavnet Aardvark-Vanaheim.

Serien var ikke uten kontroverser, for det meste over den frekvensen av utvikleren og hans åpenbare misogyni (som Sim kaller “antifeminisme”). Dette, hans syn på religion, og offentlige feider med andre skapere og bransjetall, setter ofte søkelyset på mannen i stedet for sitt arbeid. Imidlertid var Sim også frittalende innen områdene Rights Rights and Self-Publishing, var en tidlig og enorm tilhenger av tegneserien Legal Defense Fund, og var veldig støttende for nytt talent, og trykket ofte arbeidet til unge skapere som back-up funksjoner i cerebus. At han faktisk avsluttet det han satte seg ut for å avslutte med Cerebus (assistert av bakgrunnskunstneren Gerhard), er fremdeles en enestående bragd – spesielt når man vurderer antallet imponerende, men uferdige, lignende prosjekter som kaster tegneserien.

Men vent … strekker deg etter stjernene

Lenge før disse langformede historiefortellingseksperimentene begynte, var det en annen revolusjon innen tegneserier. (Et par faktisk, men det underjordiske tegneseriemomentet på 60- og 70 -tallet er utenfor omfanget av denne spesielle – og allerede for lenge – oversikt. Selv om jeg oppfordrer voksne lesere til å oppsøke artikler og historier fra denne fascinerende epoken.)

Stjerne*rekkevidde

I 1974 publiserte tidligere DC og Marvel-forfatter Mike Friedrich (Justice League of America, Iron Man) FIDen første utgaven av Star*Reach, en utrolig innflytelsesrik science fiction og fantasy -tegneserie -antologi. På overflaten virket Star*Reach som bare et utløp for frustrerte tegneserieskapere for å presentere arbeidet sitt utenfor de restriktive grensene til Marvel og DC, Star*Reach broder Tegneserier (som tilbyr heroisk fiksjon i sjangre som ikke er fullt støttet av de to store). På den tiden var stjernen*Reach Buzzword “bakkenivå”.

Hyppige bidragsytere til Star*Reach inkluderte Howard Chaykin, Jim Starlin og Barry Windsor-Smith, og alle bidro med intelligent og modent arbeid som var et essensielt utviklingstrinn for hva mediet kunne oppnå utover superhelter. Å gå bort fra de restriktive forholdene til Marvel og DC tillot deres sanne talent – spesielt kunstverkene deres – å åpne seg og bli noe fantastisk. Det tillot også disse artistene å vise frem sine formbare talenter som forfattere, og markerte et essensielt vendepunkt i karrieren.

Kvakk!

Andre viktige bidragsytere til Star*Reach inkluderte Neal Adams, Frank Brunner, Gene Day, Steve Englehart, Michael T. Gilbert, Dick Giordano, Steve Leialoha, Lee Marrs, Al Milgrom, Gray Morrow, Dean Motter, P. Craig Russell, Dave Sim , Walt Simonson, Steve Skeates, Mary Skrenes, Ken Stacey, Joe Staton, Mike Vosburg, Len Wein, John Workman, og SF -forfatteren Roger Zelazny. Også utgitt av Star*Reach var Quack!, en like innflytelsesrik (selv om det er mindre verdsatt) morsom-dyr-antologi.

Star*Reach opphørte publikasjonen i 1979, før alt det inspirerte fikk et stort fotfeste, men til slutt var det en viktig kobling til fremtiden til tegneserier, sammen med det like-men på andre måter-innflytelsesrike tungmetall og den sære one-shot Big Apple Comics, som ble utgitt av Flo Steinberg – Marvels “Gal Friday” i løpet av 60 -årene. Både Star*Reach og Heavy Metal var også viktige for å utvikle den langformede grafiske romanen med sine samlede serieniserte trekk. Og både Star*Reach og Big Apple var tidlige eksempler på selvpubliserte uavhengige tegneserier. Mye mer av begge var på vei.

Tegneserie “Realisme”

“Realisme” ble et stort buzzword i mainstream superhelt -tegneserier fra 1980 -tallet. Med å bygge videre på Stan Lees (og senere Roy Thomas ‘) rudimentært arbeid med å presentere mye mer tredimensjonal karakterisering i Marvel-tegneserier fra 1960-tallet, ble superheltene og deres skurker stadig mer komplekse gjennom tiårene. Antihelter (i begynnelsen, i hovedsak “gode” karakterer som brukte tvilsomme innebærer for å oppnå sine mål eller de som har blitt “presset for langt”) som Punisher og Deathlok (som begge brukte våpen) begynte å bli introdusert på 1970-tallet , gjenspeiler lignende karakterer som ble populære i filmer (hvorav mange ble fremstilt av skuespillerne Clint Eastwood og Charles Bronson). Imidlertid var “realisme” i tegneserier ofte alt annet enn realisme når de ble brukt på karakterer som av og til spilte biljard med planeter. Begrepet resulterte imidlertid i en intens fans diskusjon på 80-tallet, spesielt sentrert om Marvels X-Men-bok og de populære Wolverine- og Phoenix-figurene.

Rundt denne tiden ble Wolverine fremstilt som en karakter som rutinemessig ville drepe andre mindre karakterer, bare fordi de var på hans måte. Dette førte til intense diskusjoner om slike handlinger var egnet i en karakter som visstnok var en helt. Nede på veien skjønte mange fans at han ikke var det. Dermed debatten. Tegneserier delt raskt inn i to leirer – de som trodde dette gjorde ham til en “kulere” karakter og de som ble forferdet over hans handlinger. Denne skismen står stort sett fremdeles i dag blant komiske fans.

Føniks

Saken om Phoenix var enda mye mer interessant. Etter å ha gjenskapt den gamle Jean Gray/Marvel Girl-karakteren til en ny karakter (Phoenix) med tilsynelatende kosmiske krefter uten kontroll, hadde X-Men-skaperne henne fullstendig utslettet et løp av fremmede vesener (D’Anvi) i slags en thr